袁源的博客

近来看到“南方周末”上关于深圳“南方科技大学”的相关报道，从一所地方自主办学的大学的艰难尝试中可以看出，在目前的中国，仍有一批有识之士对于“大学梦”尚有一丝理想主义的追求，更可以看出，在这个“大学梦”背后其...

B+H国际建筑师事务所背景为1953年成立的加拿大Bregman+Hamann Architects。B+H自1991年通过数个国际竞赛，成功进入中国市场以来，在加拿大一百多位建筑师的鼎力支持和上海三十多位建筑师的积极配合，凭借一贯的专业服务精神和对市场的充分了解，在中国建立起广泛的信誉，签署了上百个规划、设计合同。在厦门高崎国际机场候机楼之后，又成功设计了海口美兰国际机场、杭州萧山国际机场、长沙黄花国际机场候机楼。与此同时，通过多次国际竞赛，B+H赢得了厦门国际会展中心、国家会计学院、上海新世界中心、上海美国学校、上海长宁区中心医院，深圳购物公园等几十个公建项目，以及上海陆家嘴花园、明日星城、北京风格雅园、东润枫景、武汉丽岛花园等近六百万平方米的住宅项目的规划和设计，项目遍及上海、北京、深圳、青岛、济南、海口、厦门、杭州、武汉、重庆等数十个中国主要城市。设计工程类型覆盖商业，酒店、政府机构、教育、医疗、居住、工业等各个领域。

  

   1997年，厦门高崎国际机场入选厦门十大优秀建筑；1999年，新上海国际大厦、陆家嘴花园、汇景苑等项目入围上海建国五十年经典建筑，长宁区中心医院荣获上海市优秀设计奖；2000年，达安花园、明日星城、陆家嘴花园获得建设部颁发的创新风暴设计大奖......

  

   2002年，B+H国际建筑师事务所进入中国整整十年。经过十年努力，继Bregman+Hamann Architects之后，B+H国际建筑师事务所也同样连续被英国权威杂志《World Architects》评为当今世界300强建筑师事务所之一。然而，令B+H永远为豪的，始终是每一位业主对其敬业服务的信任和首肯。    

 

广州珠江地下商场：

商场位于江南路，分为6个街区。由于结构最长达到620米，它被分为不同部分的空间，核心是建立一个友好的轻松购物氛围。该商场6个风格各异的街区为：山，柳，金，竹，风，河。每个部分都有自己独特的布局，包括墙壁，天花板，照明，地板，表面纹理以及使用的颜色。图片1-1 1-2 1-3 1-4 1-5

 

第一次接触扎哈是和室友一起看了关于她的视频，关于她设计广州歌剧院的视频。

扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）英国人，1950年出生于巴格达，2004年普利兹克建筑奖获奖者。

扎哈·哈迪德，曾在黎巴嫩就读数学系，后进入伦敦的建筑联盟学院AA学习建筑学，1977年毕业获得伦敦建筑联盟硕士学位。此后加入大都会建筑事务所，与雷姆·库哈斯（Rem Koolhaas）和埃利亚·增西利斯（Elia Zenghelis）一道执教于AA建筑学院，后来在AA成立了自己的工作室，直到1987年。

扎哈·哈迪德的现代主义的三种模式

第一、信仰新的结构方式。现代主义俾益自新科技，不管是空闲还是其它价值，现代主义者都可对任何资源做最有效的运用。这种 "过度"导致对全新事物、对未来、对乌托邦的超乎现实的夸大。也因此导致了形的消失，导致造形的极度简化。

　　第二、信仰新视点。其实我们己进入一个新世界，只是我们并未看出这点，我们仍延用被教导的旧视点。唯有真正张开眼睛、耳朵或心灵来感知自己的存在，如此我们才会得到真正的自由。

　　第三、重新诠释现代主义的现实性。结合上述两者，将新的认知转化为现存造形的重组。这些新的形体成为新现实的原型，在其中，所有事物重组、溶解后重回原点。藉由新方式重现新事物，我们可建立新世界并居住其中，即使仅经由视觉。

扎哈即属上述的三种现代主义者，他并未发明新的构造或技术，却以新的诠释方法创造了一个新世界。以拆解题材和物件的方式，找出现代主义的根，塑造了全新的景观，任由观者遨游。

在维塔一案中扎哈证明她其实是经营空间景观的高手。语汇仍沿袭她早期的作品，但组合方式己大不同。早期扎哈的语汇是挑战基地涵构，现在她学会从基地找出她要运用的空间语汇。结合机能与空间逻辑，创造出今人激赏的建筑，她的建筑提醒人注意原野如何越过山丘，洞穴如何开展，河流如何蜿蜒，山峰如何指引方向。或许扎哈已了解，"瞬间的爆发"并未能揭露人类心灵的构造，但能展现人造环境的本质。她并未在乌托邦的残迹中发现自由空闲，而是在对既有环境的探索中发现

哈迪德的设计一向以大胆的造型出名，被称为建筑界的“解构主义大师”。这一光环主要源于她独特的创作方式。她的作品看似平凡，却大胆运用空间和几何结构，反映出都市建筑繁复的特质

　　但并不是所有人都欣赏她的设计。时至今日，在已经生活了２０多年的伦敦，仍未有一件哈迪德的作品问世。在获奖后接受媒体采访时，哈迪德也直言自己在英国受到了“不公正”的待遇。

很久以来，人们一致认为哈迪德的设计富于动感和现代气息。但也正因为这两个原因，她的很多作品都只能安静地躺在图纸上，无法付诸实施，她甚至一度被称为“纸上谈兵”的建筑设计师。尽管她得过大大小小的奖项，有时候一年获４项，但似乎在世界建筑环境里掀不起一丝波澜。这种状况一直到９０年代末才有了改观。

德国维特拉公司消防站建筑恐怕是世界上最漂亮、最先进的消防站建筑了，这座特立独行的消防站出于扎哈·哈迪德之手。整座建筑仿佛是一只纸折的飞镖，充满了倾斜的几何线条，自由的节奏令人紧张得喘不过气来，墙面倾斜、屋顶跳动着晃动的曲线，或规则，或扭曲，而细部则呈现女性的柔美感。不稳定的变化动感和结构的分解势态贯穿了建筑的每一个角落。被夸张强调的水平线条和突出的尖角使这座消防站如“御风蓬叶，泛彼无垠”，向上的动感使建筑物和地面有了若即若离的关系。

美国辛辛那提罗森塔尔现代艺术中心。这幢８层高的建筑像一个精巧的方盒一层一层搭建在玻璃底座上，被《纽约时报》誉为“田园绿洲”。此外，法国斯特拉斯堡的一个停车场以及奥地利因斯布鲁克的滑雪场等也使哈迪德名扬四方。

 

最优秀最著名的工程作品有：

    德国的维特拉（Vitra）消防站（1993）

位于莱茵河畔威尔城（Weil am Rhein）的州园艺展览馆（1993—1999 ）

英国伦敦格林威治千年穹隆上的头部环状带( 1999 )

法国斯特拉斯堡的电车站和停车场（ 2001 )

奥地利因斯布鲁克的滑雪台( 2002 )

美国辛辛那提的当代艺术中心（2003）

还记得2004的雅典奥运会吗?主场馆就是由卡拉特拉瓦设计的。雅典奥运主场馆由已有二十年历史的旧场馆加建而成。卡拉特拉瓦希望这个有钢、混凝土、看得见风景且带着雅典之光的建筑能给人留下难忘的映象，并能激发出奥林匹克精神。设计的灵感来自拜占庭建筑，穹顶、蓝白基调源于爱琴海及其诸岛。

 

 圣地亚哥·卡拉特拉瓦是世界上最著名的创新建筑师之一，也是备受争议的建筑师。他以桥梁结构设计与艺术建筑闻名于世，他设计了威尼斯、都柏林、曼彻斯特以及巴塞罗那的桥梁，也设计了里昂、里斯本、苏黎世的火车站。卡拉特拉瓦拥有建筑师和工程师的双重身份，他对结构和建筑美学之间的互动有着准绳的掌握。他认为美态能够由力学的工程设计表达出来，而大自然之中，林木虫鸟的形态美观，同时亦有着惊人的力学效率。所以，他常常以大自然作为他设计时启发灵感的泉源。他设计的桥梁以纯粹结构形成的优雅动态而举世闻名，展现出技术理性所能呈现的逻辑的美，而又仿佛超越了地心引力和结构法则的束缚。

设计历程简介

卡拉特拉瓦（Santiago Calatrava）1951年生于西班牙瓦伦西亚的贝尼马米特，在巴伦西亚修完建筑与城市设计专业以后，于1979年获得了瑞士苏黎世联邦工学院的结构工程博士学位，随后留校任教，并开始参加建筑设计竞赛，1981年在苏黎世开了自己的建筑和土木工程事务所。最初他所做的实际项目多是火车站、机场和桥梁这一类东西，好像和交通问题结下了不解之缘。他设计的桥梁以纯粹结构形成的优雅动态而举世闻名，展现出技术理性所能呈现的逻辑的美，而又仿佛超越了地心引力和结构法则的束缚。有的时候，他的设计难免会让人想起外星来客，极其突兀的技术美似乎全然出乎地球人的常规预料。这当然是得益于他在结构工程专业上的特长。早自20世纪初以来，桥梁的设计一直被托付给了路桥结构工程师，建筑师退避三舍好像已成习惯。由于有了卡拉特拉瓦，全世界的建筑师们才忽然发现了新的课题，在90年代前后爆发了对桥梁进行建筑设计的热潮，从一个新的角度重新开始塑造城市中的这类元素，进而影响到城市的面貌。

2001年，卡拉特拉瓦在美国的第一个作品建成，是威斯康星州密尔沃基的美术博物馆扩建工程。此地原有一个旧馆，是在1957年由当地的建筑师事务所设计的，这一次卡拉特拉瓦加建的Quadracci展厅，名号不大，其实却造成了绝对喧宾夺主的局面。

怎样理解建筑思想

人们可以从三个层次上来理解卡拉特拉瓦的作品：首先，它们都通过优化的设计方案来解决实际问题；其次，解决问题的手法以及设计理念常常在作品中表现得一目了然，从而增强了作品的“可读性”，引起共鸣；最后，这些作品令人赏心悦目的同时，开创了一条解决建筑问题的全新思路，并促使我们思考有关建筑本质的问题。卡拉特拉瓦的工程使人想起复杂的有机生命体的构成方式。这可以作为一个理由来解释为什么他设计的桥梁、嘹望塔以及建筑群像是从景观中生长出来的一样，不仅贴切而且加强了景观。当然，他设计的形式并不是纯粹的模仿，也不是直接采用有机体的式样。他的设计方案，或者说他在自然中所作的画，其灵感来自于生物体，尤其来自于人体的骨架、循环系统以及皮肤的活动与生长方式。此外，他也从身体的特技动作与舞蹈者克服重力的姿势中获得了丰富的灵感，捕捉形变，并将之加入到一个流动的世界中去。

因此，当卡拉特拉瓦设计的建筑如同植物一样植入景观时，此建筑不仅不会抑制景观本身的特征，反而还能加强景观的惟一性。当他的作品放置干被遗忘的城市外围时，能给这个地方带来希望和复兴的渴望。卡拉特拉瓦的工程同时具有三个层次：作为建筑，它们具有稳定性与抗瓦解性；作为容器(也可以说是器皿或是管道)，它们使人类及其活动具有容纳性；作为表皮，它们具有对某处地点的遮蔽性。卡拉特拉瓦在建筑的这三个方面做出了杰出的贡献。毋庸置疑，他的高质量的设计是集体思想和协作努力的结晶。他的成功应归功干他众多技巧和才能的综合，这些技巧和才能使得工程与众不同。卡拉特拉瓦能够综合多种知识，在普遍水平上思考并不断地创造，这是非常难能可贵的。

克·克拉普顿，再到哲学家德里达、福柯等，都是他的朋友。

　　在矶崎新40年的建筑生涯中，有多个模型和设计作品“未建成”，并且这些作品的知名度比那些已经建成了的作品更高。在矶崎新看来，“反建筑史才是真正的建筑史。建筑有时间性，它会长久地存留于思想空间，成为一部消融时间界限的建筑史。阅读这部建筑史，可以更深刻地了解建筑与社会的对应关系，也是了解现实建筑的有益参照”。所以想理解矶崎新，得先理解那些“未建成”的作品。　

　　矶崎新主要作品包括：作品多为大型公共建筑，设计风格尤以创新、有气魄著称。作品包括：美术馆、艺术馆、歌剧院、天文台、办公大楼和居住区。近几年设计了大量作品，尤以美国佛罗里达州的迪斯尼总部大楼、日本京都音乐厅、德国慕尼黑近代美术馆、日本奈良百年纪念馆、西班牙拉古民亚人类科学馆、美国俄亥俄21世纪科学纪念馆、意大利佛罗伦萨时尚纪念馆、日本群马天文台和中国大剧院方案竞赛等最为著名。

矶崎新作品欣赏

中国湿地博物馆

         设计理念：博物馆主体是个“山丘”，几乎整个博物馆被埋入有机形的山丘中，并在其表面设有洞穴似的采光井；山丘内部呈空洞形，通过壳体结构形成大空间；观光标志塔叫“挑盘”，40米高度能轻易俯瞰西溪湿地全景，同时象征大自然孕育出生机勃勃的新芽。观光标志塔通过螺旋坡道和自动扶梯连通博物馆主体。

           整个博物馆由游客中心、展示空间、游船码头、电瓶车服务站、观光标志塔组成，展厅部分由壳体结构形成整体大空间，可根据展览需要，在其间灵活组合。

GUNMA美术馆

“城市是一本打开的书，从中可以看到它的抱负。”

 

小沙里宁（Eero Saarinen）简介  　　

现代国际主义建筑大师埃罗·沙里宁（Eero Saarinen）是芬兰著名建筑大师埃利尔·沙里宁(Eliel Saarinen，1873-1950年) 的儿子 。1923年全家移居美国。沙里宁于1929年赴巴黎学习雕刻，一年后返美。 　　1934年毕业于美国耶鲁大学建筑系后，在父亲的建筑事务所工作，1950年独自开业。在父亲创办的美国著名设计学院–克兰布鲁克艺术学院（Cranbrook Academy Of Art）学习，这个学院把欧洲的现代主义设计思想和体系有计划的引入美国高等教育体系，重视设计观念的形成，重视功能问题的解决，学院的重点是建筑和家具设计。受到这个教育思想的影响，Eero Saarinen成为美国新一代有机功能主义的建筑大师和家具设计大师.Eero Saarinen设计的美国杰斐逊国家纪念碑、纽约肯尼迪国际机场、美国杜勒斯国际机场、都成为有机功能主义的里程碑代表建筑。他在“有机家具”的设计也非常突出，“马铃薯片椅子”（Potato Chair）、“子宫椅子”(“Womb”Chair)、“郁金香椅子”(“Pedestal”Chip)都是２０世纪５０年代至６０年代最杰出的家具作品。通过这些椅子的设计，Eero Saarinen把有机形式和现代功能结合起来，开创了有机现代主义的设计新途径。２０世纪澳大利亚著名建筑悉尼歌剧院的设计方案就是沙里宁担任国际评委时，从废弃的方案中发现挖掘出来的。小沙里宁设计了一系列新奇独特的作品，表现了丰富多彩的建筑语汇。埃罗·沙里宁1961年9月1日死于脑科手术中。1962年美国建筑师协会追授他金质奖章。小沙里宁喜好雕塑，他一生没有形成自己定型的建筑风格，而是在不断创立新的风格。1951年在底特律市以北设计了通用汽车公司技术中心，风格上非常接近密斯的风格。这个建筑群有25幢建筑物，环绕一个规整的人工湖，湖中有带雕塑特点的水塔。初露E·沙里宁的建筑设计风格。 　　

  使小沙里宁名闻世界的是圣路易市杰斐逊国家纪念碑。这座高宽各为190米的外贴不锈钢的抛物线形拱门，造型雄伟，线条流畅，象征该市为美国开发西部的大门。1952年他设计了麻省理工学院礼堂和小礼堂，礼堂采用只有三个支点的1/8球壳作屋顶，教堂为圆形砌建筑。1958年为耶鲁大学设计了冰球馆，采用悬索结构，沿球场纵轴线布置一根钢筋混凝土拱梁，悬索分别由两侧垂下，固定在观众席上。建筑造型奔放舒展，表达出冰球运动的速度和力量。他最令人惊奇的作品是纽约肯尼迪机场的美国环球航空公司候机楼，建筑外形象展翅的大鸟，动势很强；屋顶由四块浇钢筋混凝土壳体组合而成，几片壳体只在几个点相连，空隙处布置天窗，楼内的空间富于变化。这是一个凭借现代技术把建筑同雕塑结合起来的作品。他的另一杰作是华盛顿杜勒斯国际机场候机楼。大楼为悬索屋顶，跨度45.6米，长度为182.5米，人流沿纵向行进。跨中屋顶低矮，下设办理登机手续等一系列管理用房；跨端空间高敞，供旅客集散之用。结构形式与功能结合妥善，轻巧的悬索屋顶象征飞翔，与结构本身的特点合拍，显得十分自然。

 

理查德·迈耶，美国建筑师，当代最有影响力的建筑师之一，现代主义建筑“白色派”Godfather，被誉为建筑界诺贝尔的“普立兹克”奖最年轻的获得者，曾就学于纽约州伊萨卡城康奈尔大学，早年曾在纽约的S.O.M建筑事务所和布劳耶事务所任职，并兼任过许多大学的教职；1963年自行开业。

第一次了解到迈耶是在大一的一次课外作业上。蓦然看到“白色派”的Godfather的字眼就深深的吸引着我。迈耶几十年始终如一潜心于白色建筑的开拓。他以娴熟自如、出神入化的技艺，谱写了白色的交响曲。白色，对理查德•迈耶来说，早已是一种信仰。这一切的一切都无法抵挡的住我想对他的深入了解。

白色建筑就是他的注册商标。设计了几十年的房子，清一色全是白色，简直就像奔驰的工厂只生产白色汽车一样的不可思议。但这就是迈耶，一个注重功能和实用的一位老先生，总能让你不自觉的静下心来细细的品味光与建筑的巧妙融合，感受那疏影横斜水清浅，暗香浮动月黄昏的意境。他设计的作品最大的特点是永远有自己的特性而不是在风格上受别人的影响而迷惑。由于其大胆的风格和值得称颂的忠诚，迈耶创造出颇为独特的粗壮风格。为了在展示方面做得更好，他将斜格、正面以及明暗差别强烈的外形等方面和谐地融合在一起。

21世纪以来，越来越多的国际著名建筑大师来到中国，为中国而设计。2005年迈悄悄的来到了中国的深圳在深圳东部的海边为深圳设计了一组海景别墅，从而留下了自己的作品。这是他首次为中国设计。在这组作品中他仍然匠心独具的运用它一贯的设计风格沿着弯曲地貌巧妙构建建筑的布局，在青山绿水间隐约点缀出修理淡雅的白。中国的深圳突然出现这么一群独特的住宅，让很多中国人马上认识了他，一位我们不太熟悉的这位建筑大师叫做Richard Meier 理查德·迈耶。

其实早在90年代初，迈耶就已近多次进入中国内地，迈耶为迫切学习西方新思想的中国建筑带来了甘露。

尽管许多人认为迈耶的作品太过商业化，就连有些挑剔的评论家也不得不承认迈耶的作品实在是太具有感染力了。那种淡雅的建筑语言像人们诉说着现代建筑对的无限魅力。

 孙继忠，深圳市红筑东方建筑工程有限公司总经理。中国建筑学会室内设计分会专家委员，深圳市室内设计师协会常务理事，深圳市国际招标中心专家评委。一直秉承着实诚质朴的精神，兢兢业业工作，树立了独特的个人风格，逐渐成长为中国最具影响力的青年设计师之一，在设计界备受尊崇。先后荣获“全国杰出中青年室内建筑师”，“中国室内设计20年功勋人物”，“深圳十大室内设计师”等荣誉称号。

　　孙继忠是一位低调的著名室内设计师。入行20多年来，他设计过无数的优秀作品，也获得过许多重量级的奖项。2007年，他在迪拜主持设计了被喻为“世界华人珠宝第一店”的TTFGALLERY项目，在迪拜名声大震。也有一些作品达到了国际水平，如：紫薇山庄酒店、西安创业广场等。

2009年，已经成就卓著的孙继忠进入瑞士伯尔尼科技应用科技大学，学习“可持续性发展”的硕士学位课程，以一个设计师的社会责任心，去身体力行倡导环保。

在诸多荣誉光环面前，不曾驻足停留，一直不断更新自己的知识，是自己的设计与时俱进，引导着室内设计的文化个性和主流发展趋势，同时，将儒家文化的“仁爱”精髓贯穿于对整个行业的关注中，通过务实交流，将实战经验和对室内设计文化理念的理解与大家分享，对室内设计师的学习和工作作出了突出贡献，对室内设计业的发展起到了良好的推动作用。

在天乐府中利用了弧形流线感极强的造型和材料，突出KTV娱乐与散漫的休闲文化，构筑的是人，音乐，心情，激情浪漫的KTV动感空间。而写在色彩中最突出的是红色，燃烧着激情，流逝的是时间，定格着KTV特殊的氛围。

“民以食为天”，“食”在现今生活中更演变成一种文化。因此，设计师在设计餐厅时充分考虑两个要点——“食”和食的空间。空间布局考虑到人在“食”时，目能所及的空间欣赏感对其用餐的心绪有所影响。设计手法结合地区的文化背景。

原生态+特殊的革命性印象+成熟的设计手法，让充满现代感的酒店空间柔入了怡人的度假感觉和别样的传统情怀。大量的木材，竹，自然纹理的石材以及现代光亮材料的运用，精致的细节设计，色块之间的和谐搭配，成型的烂漫的瓶花，灯光照明虚虚实实，铺以亮丽的点式直接照明，使整个空间弥漫在一派既休闲又动感的气氛中。一种山庄里的都市之感或都市里的山庄之感交相辉映。

天街的环境景观在设计上力求做到移步易景，情景交融，既有景观的观赏性，给人以联想的空间和美的享受，同时也有人对景观的参与性，满足人与景观的互动需求，真正体现“物也景观，我也景观”的效果。

在远远的审视天街，在满眼的绿色中，白墙灰瓦构成了天街的色彩基调，多种的点面的手法的结合，强调了中轴线，表达了一种独特的节奏与韵律。

客房突出舒适感，人性化与视觉感是设计的首要因素。序列感极强的楼层走廊，暖色调温馨的客房空间在打破传统格局的前提下注入了古典点缀，目前在视觉上对人的心灵进行的沉淀与净化。

 

勒贝克·L·宾德是加利福尼亚的著名建筑师，她的作品特征，就是能充分利用耐久的、成本合算的建筑材料、充满活力，视觉效果强烈。这些特点使得宾德的建筑作品意义深远，实用，而且具有长久的生命力。可以说，宾德对设计过程的把握和理解与其设计的出发点相辅相成，然而，她的这种设计过程并非是纸上谈兵，她对形体大胆而机敏的处理方式以及对材料的成熟运用，使得宾德的建筑作品独具特色。

下图展示的是宾德作品之一——宾德住宅。

“美丽的建筑不只局限于精确，它们是真正的有机体，是心灵的产物，是利用最好的技术完成的艺术品。”

　　                                             ——弗兰克·劳埃德·赖特

赖特:举世公认的二十世纪伟大的建筑师、艺术家和思乡家。埃罗·沙里宁（Eero. Saarinen）曾经这样赞美他：“如果今天是如同文艺复兴的时代，那末赖特就是二十世纪的米开朗琪罗”。美国著名建筑评论家保罗·戈德伯格（Paul Goldberger）在纪念他逝世二十周年所写的文章中也指出：“可以毫不夸张地说，在他之后，美国还没有别的建筑师可以与他相比。路易斯·康，埃罗·沙里宁，凯文·罗歇，贝聿铭，菲利浦·约翰逊都不能与他相比，即使上述这些人加在一起，他们在建筑艺术上所具有的影响，也比不过赖特不寻常的七十二个年头的建筑职业生涯所造成的巨大影响

弗兰克·劳埃德·赖特（Frank Lloyd Wright），1867年6月8日生于美国威斯康星州的Richland Center，1959年4月9日在亚利桑那州凤凰城死去，享年91岁。

幼年时期，赖特一家过着一种近乎游牧般的生活。早年的生活经历，深深影响到了赖特后来的建筑设计风格。赖特认为一切美感均源于自然，因此比较强调建筑设计应当尊重天然环境，每幢建筑物都应当顺应和表现自然力来实现最佳境界。赖特还提出了独具创意的“草原式风格”和“有机建筑”理论。赖特的主要建筑作品包括威利茨私人住宅、马丁私人住宅、罗宾私人住宅，以及位于纽约州Buffalo的Larkin Building，位于伊利诺斯州Oak Park的Unity Temple,古根海姆现代艺术博物馆（the Guggenheim Museum）

　  赖特设计的建筑作品，类型最多的是别墅和小住宅。从19世纪末到20世纪初的10年中，赖特先后在威斯康星州、伊利诺州和密执安州等地，设计了为数众多的小住宅和别墅。这些住宅大多属中产阶级所有，因此基本都在郊外，用地宽阔、环境优美，材料大多使用传统的砖、木头和石头

　建在伊利诺斯州福利斯河边的威利茨私人住宅，是赖特的第一个杰作。威利茨私人住宅建于1893年，是赖特为他的第一个客户William Winslow设计的，表明赖特喜欢用一种奇特的比例来表现建筑。赖特相信，建筑应该在人类和他所处的环境之间建立某种联系。一些学者认为这是他设计的第一所“成熟和独特”的建筑。

　　威利茨私人住宅实际上代表了赖特这一时期著名的建筑设计类型，亦即草原式住宅（Prairie House），同时也是赖特首次尝试采用这种方法设计一种全新的、本土化的美国式建筑。

　　也就是在这一时期，赖特与一些同样采用这种设计方式的芝加哥建筑师，一起组成了草原学派（Prairie School）。虽然赖特本人并不喜欢被贴上“草原学派”这样的标签，但他实际上已经成为了这个学派的领导人。

 

 

上海世博会的举办向我们展示了各个国家的设计特色，英国馆以震撼的视觉效果吸引着眼球，引起了我对其设计师的兴趣。

托马斯·赫斯维克——英国最富有创新的设计天才之一。1971年生于伦敦，曾就读于曼彻斯特城市大学与伦敦皇家艺术学院，于1994年成立了自己的工作室。托马斯现任英国皇家建筑师协会荣誉会员、皇家艺术学院高级会员，拥有谢菲尔德哈勒姆大学、曼彻斯特城市大学、布莱顿大学与邓迪大学授予的博士学位，并于2004年获得了“皇家工业设计”章。2006年英国最有声望的“菲利普王子奖”，被授予托马斯.赫斯维克。这个奖项与“奥斯卡奖”（Oscars）有同样的分量。这个年仅36岁的三维设计师已经被赞誉为“新的莱昂纳多.达奇。”

他的风格独特的国际设计作品总是令人吃惊。他将设计师的天生的解决问题的本能与艺术、建筑、工程和艺术家的执着与材料结合起来，创造大胆的和激动人心的建筑概念。

他的设计作品是引人注目的、独特的，并且经常是大胆的。他的作品有位于曼彻斯特的英国最大的雕塑——爆炸式的“钢穗”（B of the Bang），这个作品是为2002年英联邦运动会设计的，高56米，由180根细长的钢管组成。其倾斜度为意大利比萨斜塔的10倍以上。位于伦敦帕丁顿低地的向后翻筋斗的开放式“旋转桥”（Rolling Bridge）,当有船只开过的时候桥可以卷起来，甚至可以卷成一个圆，想西瓜虫一样。

从大一开始，密斯•凡•德•罗和弗兰克•劳埃德•赖特以及勒•柯布西耶等大师就经常被提及，他们可谓是世界建筑史上最辉煌的人物。我今天要介绍的就是这现代建筑派大师之一的密斯•凡•德•罗。选修课上刚好又讲到他，对他印象很深刻，喜欢他设计的作品。

密斯•凡•德•罗（Ludwig Mies、Van der Rohe 1886－1969）简介：

密斯出生于的一个石匠家庭.密斯没有受过正式的建筑学教育，他对建筑最初的认识与理解始于父亲的石匠作坊和亚琛那些精美的古建筑。可以说，他的建筑思想是从实践与体验中产生的。无论是在柏林的布鲁诺•保罗事务所当学徒，还是在彼得•贝伦斯手底下做一名绘图员，或者是在柏林开办他自己的事务所.....这些经历使他一步步的投身于二十世纪翻天覆地的重大变革中，并最终引领出一片贯穿二十世纪的建筑思想体系. 1886年3月27日生于德国亚琛 21岁时设计了第一件作品 1908年进入贝伦斯事务所任职 1919年在柏林从事建筑设计 1926-1932任德意志制造联盟第一副主任 1930-1933任德国公立包豪斯学校校长 1937年移居美国 1938-1958任芝加哥伊利诺工学院建筑系主任

密斯•凡•德•罗（Ludwig Mies、Van der Rohe 1886－1969）设计思想：

密斯早期是提倡现代建筑的主将，主张建筑必须具有时代性，他在1919－1921年提出的钢和玻璃摩天大楼方案具体反映了这个特点。他认为今天的建造方法必须工业化，而它是一个材料问题，他找到了他认可的工业化新材料，即钢和玻璃，另外，密斯严谨的逻辑思维使他坚持“少就是多”的建筑设计哲学。密斯的建筑大多是矩形的，从平面到造型，简洁明了，逻辑性强，表现出理性的特点。下面给大家介绍一个他设计的方案：

璃屋——范斯沃斯住宅

范斯沃斯住宅是1945年密斯为单身女医生范斯沃斯设计的度假别墅，建成至今受到的无数的赞扬和非议。

密斯在这幢建筑整体的设计中最大程度地减少了空间中的实体，这使得范思沃斯的起居生活非常不方便，四面透明，只有卫生间是相对私密的。在建筑中范思沃斯找不到可以挂照片的地方，除了浴室的墙面。

这幢玻璃别墅消除了所有的封闭性，密斯认为这种透明的方式使得住宅的空间得以自由流动。范思沃斯住宅，无论从室内或者室外欣赏，一目了然。八根H形截面的钢柱，夹持着两块薄板，中央的玻璃盒子悬浮在空气中，盒子里面包容的也是空气，一件完全透明的工艺品。这座第一个用玻璃作幕墙的房子，显得晶莹夺目，仿若一座“水晶宫”。 一件优美动人的建筑作品，跟人一样，表面上看，它完全透明，但它内心包含的东西，不一定能一眼看透，许多稍纵即逝的感想，连它自己连它的创作者，都不敢肯定。所有思绪带动的姿势、表情和不经意的叹息，都应该是漂亮的，如果这不是美的全部，也是它的延伸和表演。

从照片上看，从远处看，范思沃斯住宅给人的印象是小巧灵珑。但是走到近处靠在它的旁边，会觉得它简直有些巍巍然。它的室内地平举到室外人眼的高度，显然是考虑到防洪水的问题，或许因此才有了处在地面和室内地平中间的大平台，是一种心理准备，一种情绪过渡，也是扩大半私密、有领域感的生活空间的设计手段，让这本质上只有一个大房间的小住宅，不致于在林间空地上显得过于孤单。虽然这个住宅使用起来并不舒适，玻璃不隔热又无私密性，但它仍旧是一件伟大的艺术品，它体现了密斯的设计风格——“少就是多”的建筑设计哲学。处理手法上主张流动空间的新概念。设计作品中各个细部精简到不可精简的绝对境界，结构几乎完全暴露，但是它们高贵、雅致，已使结构本身升华为建筑艺术。下面的这个作品也是我所喜欢的，它充分体现了密斯的设计风格。

巴塞罗纳—德国馆

1929年，密斯•范•德•罗设计了著名的巴塞罗那世界博览会德国馆，这座展览馆所占地段长约50M，宽约25M。特殊的是这个展览建筑除了建筑本身和几处桌椅外，没有其他陈列品。实际上，这是供人参观的亭榭。它本身就是展览品。

曾令我不解的是看不到梁架结构以及它没有柱子的支撑。后来选修课的老师给我们做了分析，它的屋顶选用简单的平面，而墙起到支撑作用。隔墙有玻璃和大理石两种．墙的位置灵活而且很偶然，它们纵横交错，有的延伸出去成为院墙．由此形成了一些既分隔又连通的半封闭边开敞的空间，室内各部分之间，室内和室外时间相互穿插，没有明确的分界，也是现代建筑中常用的流动空间的一个典型．

密斯•范•德•罗在德国馆的建筑用料上是非常讲究的。地面用灰色的大理石，墙面用绿色的大理石，主厅内部一片独立的隔墙还特地选用了华丽的白玛瑙石。玻璃隔墙有灰色的和绿色的，内部的一片玻璃还带有刻花。一个水吃的边缘衬砌黑色的玻璃。这些不同颜色的大理石、玻璃再加上镀克罗米的柱子，使这座建筑具有高贵、雅致和鲜亮的气氛。

矿业同盟管理与设计学院：

矿业同盟学院位于埃森市郊外的一个旧煤矿遗址旁边，该遗址为联合国科教文组织指定的世界文化遗产。为了与遗址上工业建筑的尺度相呼应，并为该地区创造出一个醒目的标志性入口，他们提案了一个巨大的抽象立方体建筑。建筑的功能划分以大面积的开放式楼面为基础进行。

混凝土外墙为建筑的基本结构体。外墙上的正方形窗户将周围的风景及柔和的自然光引入室内，使混凝土的建筑显得更加轻盈透明。变化的层高，巨大的结构跨度以及自由的动线布局，为整个建筑带来灵活多变的空间感。

多样化的空间性格不仅创造出多种可变路径、交流和学习场所，也展现出学院自身的活力和特色。

 

    妹岛和世是一位近代日本的知名女建筑师，出生于日本茨城县。现任庆应义塾大学理工学部教授。

她在1981年从日本女子大学硕士班毕业之后，就进入了日本名建筑师伊东丰雄的事务所工作，14年后，与西泽立卫成立了SANAA建筑设计事务所。2004年，两人以金泽21世纪美术馆赢得了当年的威尼斯建筑双年展的金狮奖。2010年，与西泽立卫一起荣获象征建筑学最高荣誉的普利兹克奖。

第一次接触他们是在大一的一次的讲座上，让我印象最深的是她那对建筑的认真态度与严谨，她每年差不多只做一个工程，用她的话说刚可以维持事务所的开支。正是这种求稳、求精的设计态度，使她在日本这样一个激烈竞争的社会中，站稳脚跟并发展到现在。这一点也许对今天中国的建筑设计者一年做十个项目来说是值得借鉴的。她大量的运用玻璃外墙等材质，让建筑感觉轻而且漂浮。亦有报道称其为“穿透、流动”式的建筑。妹岛在设计上非常完好的继承并发展了其老师伊东丰雄的特点，现代、简约、轻盈、形式的不确定性（也可称为视觉的不确定性），视觉的不确定性主要表现在妹岛建筑对于玻璃、半透明玻璃、镜面和反光材料的使用，还表现在建筑结构上柱子的细化和楼板厚度薄化，墙体厚度的减小，营造出一种轻盈、透明的视觉形象。

废话不多说，下面给大家介绍两个他们设计的案例：

    妹岛和世与西泽立卫事务所设计的纽约新当代艺术博物馆作为纽约市唯一的纯当代艺术机构首次于2003年亮相，这座6层的非平衡的白色矩形盒子结构叠加在一起的建筑位于下东岸曾经狼籍的街区。

梁景华(Patrick Leung)

国际著名设计师 PAL设计事务所创立者、香港室内设计师协会副会长

　　毕业于香港理工大学设计系室内设计专业

　　曾任巴马丹拿建筑事务所 高级总室内设计师

　　李嘉诚办公场所及住所设计师

亚太区室内设计大奖会所组 冠军

主要设计项目：

　　上海浦东新证券大厦交易所室内设计

　　深圳聚豪会高尔夫球会会所 (亚太区室内设计大奖赛会所组冠军)

　　北京朝阳区 Star City 酒店项目，

　　上海海湾会会所(亚太区室内设计大奖赛会所组冠军)

　　其为私人设计项目：

　　Mr.David Chan 香港宝山道住宅

　　浅水湾丽景花园复式别墅

　　杨启彦先生（九广铁路主席）九龙塘住宅

　　查樊声先生（香港兴业集团主席）半山别墅

　　Mr.Simon Kwok(莎莎集团主席)浅水湾住宅

天下城（郑州）楼王项目

 

之所以喜欢梁景华，是因为他追求的那种简单就是最好的设计理念，他曾在接受记者采访时说：我不是艺术家，我是设计师。设计师表现自己才华和构思的前提，是满足顾客的意愿。简单就是我的设计风格，只有简洁的设计，才会耐看，才会有可能显出高贵和内涵。　他说：我追求的是简单、含蓄的设计风格，始终相信"Simple is the best"，它的含义是拒绝一切花巧的东西。当然，简洁风格是以一丝不苟的细节处理为基础的，这一点又是梁景华在设计中突出强调的。“没有丰富的细节，就没有风格，一切都无从谈起”。

在我看来，“设计”是趣味的，神秘的，高雅的，而我们的室内设计更是对生活对人生的一种美的表达体现。它在于给人不一样的视觉享受。是一场视觉盛宴。虽然每个人对美的追求不同。而我所追求的是那种淡雅却又灵动的让人耳目一新，舒适的设计

而梁景华的设计所体现的那种淡雅而高级的格调，和他强调的简洁含蓄的设计风格，是我一直想要表达体现可是却无从做起的。所以，我一直在寻找室内设计的那股简约风。

在现在这个寸土寸金，人人为工作忙的昏天暗地的时代。室内设计越来越趋向简洁大方舒适的设计风格。而，如何在我们的设计中体现这种追求又富有我们自己的创新并最终被认可，梁景华就很好的诠释了这个定义。

“现代简约”我个人很喜欢运用这个词语，也喜欢用到我的设计中，用我自己的方式去表现我所想要的现代简约的形式。可是，往往，最终，完成的作品已经不是我最初所要体现的了。

所以，我追求梁景华的追求。我最喜欢的是他一个曾获得金奖的室内作品，杭州南都东方润园样板房的设计。（见图1~8）该设计以圆弧形为元素，风格大气、干脆利落。他的那个平面分布总是让我感慨深思。因为，看到他的作品，我猛然醒悟，我也一度的想要表现的设计啊。可是我却做不出来、、

还有，他的作品天萃庭，里面装饰高雅气派却不繁复（见图9~12）北京中关村餐厅（见图13~15）等

“风格代表着观念，当然所谓经典并非豪华古老的那一种。也可以很简洁，也可以很现代。其个人比较喜欢宁静、平和的东西。另一方面。他希望他的作品能有长存的艺术价值。因此追求的是一种简致和美的风格，反对过分夸张、奢华和浮躁。”

梁景华的设计风格切合着现代室内设计的时尚简约，也是现代大多数设计师在做设计时想要表现的。我个人也是喜欢这种朴实一点，简单一点，的设计，所以，会尽量的去学习，借鉴，并运用到我自己的设计中。

伊东丰雄高中就读都立日比谷高中，在1965年毕业于东京大学工学系后，曾于菊竹清训（Kiyonori Kikutake）建筑师事务所工作；在1971年成立自己的工作室，原先称为URBOT（Urben Robot：城市机器人之意），在1979年正式改名为伊东丰雄建筑事务所。此后推出了许多重要的日本建筑作品，从早期带有现代主义理性的线条（如1976年的中野本町之家（White U)和1984年的银色小屋（Silver Hut）），到后期大量的玻璃穿透效果，风格相当明显。

 

伊东丰雄简历

1941年 出生于日本

1965年 毕业于东京大学建筑系

1965-1969年任职于菊竹清训建筑设计事务所

1971年 创办名为都市机器人(URBOT)的设计事务所

1979年 事务所更名为伊东丰雄建筑设计事务所，现为该公司董事长

 

主要获奖项目

1984年 第3届日本建筑家协会新人奖(笠间的家)

1986年 昭和60年度日本建筑学会奖(银色小屋)

1990年 第3届村野藤吾奖(札幌啤酒北海道工场迎宾楼)

1992年 第33届每日艺术奖(八代市博物馆)

1993年 1993年度建筑业协会奖(BCS奖) (八代市立博物馆)

1997年 第8届保加亚利·索非亚国际美术展金奖

1997年度建筑业协会将(BCS奖) (八代广域消防本部大楼)

1997年度艺术选奖文部大臣奖(大馆树海体育场)

1999年 第55届日本艺术院奖(大馆树海体育场)

1999年度建筑业协会奖(BCS奖) (大馆树海体育场)

2000年 国际建筑师学会(IAA)学会奖美国文化艺术学会阿诺德·W·布鲁纳奖2001年 2001年度优秀设计大奖(仙台传媒中心)

2002年 2002年度世界建筑东亚区最佳建筑奖(仙台传媒中心)

2002年度建筑业协会奖(BCS奖)(仙台传媒中心) 第8届威尼斯建筑双年展金狮奖

2003年 2003年度日本建筑学会奖(仙台传媒中心)

 

建筑理念特色

伊东丰雄的建筑理念相当具有特色，他受到法国当代最重要的哲学家吉勒·德勒兹（Gilles Deleuze，1925-1995）和日本哲学家Sosuke Mita的影响，将自己的建筑理念透过“游牧”（Nomad）的概念发挥。

 

伊东丰雄的经典建筑作品有银色小屋、风之塔、仙台媒体中心、托雷维耶哈休闲公园。在这四个作品中，我比较喜欢风之塔和托雷维耶哈休闲公园。

 

风之塔：位于在横滨火车站附近的环形岛的中心,一座高21M的塔外部覆盖人造的镜状表面,并被包裹在一个椭圆形铝制圆柱体内, 一旦被点亮,位于两层之间的泛光灯使这座塔看起来像一个巨大的万花筒.在白天,铝制板的反射特性强调塔的简单金属外形;在夜间,万花筒被点亮,呈现出闪耀的反射景观.这座塔包含1280个迷你灯及12个垂直排列的明亮的白色霓虹灯环;30个由电脑控制的泛光灯(24个在内部,其他的在外部)在塔内随着一天时间的变化形成灯光的不同模式.

   

编者按：

彼得•祖索尔有时也被翻译为彼得•卒姆托，也是我个人非常欣赏的一个建筑师。他的学生兼合作者乌塔•格拉芙（Uta Graff）曾在我们学校做过专题讲座介绍卒姆托的建筑作品—德国汉诺威世博会的瑞士馆设计，不知道大家有没有去听过这个讲座。

所以，一些题外话就是大家在学生时代其实很多学习的机会需要靠自己积极去抓住，尤其是那些拥有知识含量的、甚至是非常具有启发性的事物，需要有探索的好奇心和求知欲，不能只是被动地、麻木地去完成老师布置的作业，或者是满脑子想着不切合实际的“工程”、“项目”。做学生的时候就是好好学习，等你真的去做工程、项目时不要脑子里面空空荡荡，否则人生就是“杯具”一场了。

 

“隐居”的建筑师——祖索尔

黄芬妮

 

彼得•祖索尔(PeterZumthor)，1943年4月生于瑞士巴塞尔建筑设计，父亲是个家具制造商。上大学前，祖索尔曾经花了5年时间学习橱柜制作。他善于手工活，熟谙各种材料。他曾在纽约Pratt 学院就读，后在瑞士东部Graubünden 任建筑规划咨询师，12 年的古迹保护经历，使他了解传统城市和古典建筑的精华，懂得汲取建筑潜藏的本质，而非拷贝表面的形式。1979年，他在瑞士一个偏远的小镇成立自己的事务所，目前仍和15名员工一起工作。之所以欣赏他，敬佩他，是因为他不同于其他著名的建筑师，他很低调、坦率，很少出门，与主流保持距离，更少与媒体接触，不会在世界各大都市规划高形象项目。他工作和生活了近30年，常拒绝找上门来的项目，只为了专注于自己心爱的工程。祖索尔的作品灵感大多来源于材料本身。他说建筑就是因材料而生的。他对材料的运用技巧，对材料的了解，是我要好好学习的地方。我很认同他说的，建筑不是在纸上，也不是关于形式，而是关于空间和材料。他认为建筑是生活的容器和背景，容纳睡眠的寂静。

祖索尔的作品总是呈现出一种朴素的精致强烈永恒感，看他的做作品，就可以看出他是热爱大自然的，他对环境的敬意，他的作品与材料结合的是那么的完美。他用自己的灵魂在做每一个作品，他将清晰、精确的观念与诗意空间融合，作品很有灵韵。祖索尔的作品不仅仅形式漂亮，还表现出精巧的材料，而且更在于他对建筑物流露出的最终空间印象的巧妙控制。他的作品并没有一个统一的形式，它们有高的、有圆形的，有低矮悬挂的或是方形的建筑。 他仔细思量自己每件作品，为其寻找独特的建造方式。他发展了建筑伟大的整体性和永恒性——不为一时的潮流和狂热所侵蚀。他认为，日常的往往就是永恒的，所以简朴风格和充分利用材料本身的特点成为祖索尔的坚定信念。也正是我要学习的，对于材料，我是模糊的。我更喜欢他的简朴中带有的坚强。

对于一个成功建筑师来说，祖索尔很耐得住寂寞，没有焦躁，只有专注。祖索尔说，之所以隐居山间，是为了“摒除世间的杂念”。这句话，说的出来，也做得到的，我觉得只有他了吧。他的静，让我肃然起敬。

瑞士Vals温泉浴场是祖索尔十年磨一剑的产物。它借鉴古罗马和土耳其的浴场造型，并从中抽象出现代性，重新焕发出古罗马和土耳其澡堂的沐浴欢乐。以“山、石、水——浴场山间建、用山石建”的设计理念，耐心的用10年建成这座浴场。浴场外形简朴，内部类似洞穴，由6万块精确切割的石英岩板构成。这是一栋与自然融为一体的建筑，一半陷入山中。它的外部全部使用Vals当地的石材，内部由6 万块精确切割的石英岩打造，游客们在此可以尽情体验着大自然的水中的温度、矿物或者花的味道。透过玻璃望向窗外，还能够看到阿尔卑斯山的余脉。空气中弥漫着浓浓的宗教气息，让人沉静，彻底慢下来。

祖索尔曾经为帮助德国农民完成心愿而设计了Bruder Klaus教堂。这栋小教堂是一座由树干和树枝构成的小教堂整个建筑形似一个巨大浴盆。从蜿蜒山路向教堂走去时，你会看到它外形逐渐在变化。教堂的平面是个椭圆水滴形，较圆弧的那面迎接山谷中吹来的风，另一侧较尖锐的面是出入口，对着小山，预示着大门永远敞开欢迎所有朝圣者。为适应气候条件，建筑外围被覆上木瓦，呈现出粗犷的感觉，配以淡红棕和暗黑的中界色对应四围山坵，和谐地融入整个外部自然环境。教堂墙面上部一条环状的木造高窗，令整个屋顶显得更为高耸，突现出宗教的威严神圣。从室内布局来看，这样的水滴形平面设计更趋合理，凸出圆的地方是神坛的位置。室内细长的木柱让空间恢复次序性，也是教堂后方森林树木的抽象表现。室内光线由屋顶的环状高窗投入，四周银色的墙面反射了所投入的光线，不仅提高明亮度，也让空间融解得更宽敞、富于流动性。高窗细长的竖框背面，有鱼鳍般的背板延伸进入室内，抬头看窗外时，天空好像一个个被区分出来的画面，凸显了天空的明亮高远，反映出人敬拜上帝时的谦逊尊崇。为帮助农民节约建筑成本，整栋建筑的主要材料统统取自农民家中的自有树林。他首先将112根树干布置成“水滴状”图案，顶部留有开口，接着每天向木结构上浇注一层混凝土，24天后，将原本的木结构完全焚毁。整栋房子通过浇注而成。如果木结构焚得太快，会爆炸，太慢则没有效果。祖索尔的作品看似只是一件小项目，花费的精力可能远比一个著名建筑师在某个大型商业项目来得多。这座小教堂的设计，祖索尔坚持没有收农民的给的设计费，这是帮助农民的喜悦。这就是我敬佩的祖索尔，一位喜欢“隐居”的建筑师。

 

Vals温泉浴场

似乎自己也说不清从何时起喜欢上建筑的了，依稀记得儿时那会儿刚看到长城、天坛、巴黎圣母院等建筑时，唯一感叹就是哇塞好神奇哟，真太不可思议了。那时打从心里佩服那些建筑出这些建筑的人们，觉得他们好伟大哦（不过说实话那时还并不知道有什么设计师，一直认为是那些工人们用自己的双手与智慧建出来的）。还记得那时自己就希望将来也学建筑（很遗憾在美术统考中并没考出自己想要的成绩）。

后来随着知识面的扩大，慢慢的也知道了好多。我知道了有一门学科叫建筑学，有一种职业叫设计师。当然现如今知名的建筑设...

陈德坚是一位非常有个性、激情和活力的设计师.他的酒吧设计在香港非常出名，他善于用西方的手法来表现东方文化，因而韵味独具。为商业空间赋予艺术生命，这就是陈德坚的独特之处。

   他对设计的概念有自己独到的见解。陈德坚认为，好的设计师同时也应该是一个艺术家，能把自己的风格艺术地表现在设计作品中。他能将商业设计与艺术很好的融合到一起。一点是我很佩服的。他对商业设计有着很好的把握尺度。特别是在酒吧设计方面可谓是很有成就。看了一些关于他的作品 给我的感觉就都很不错 他对设计有着自己独到的见解。

   陈德坚对待设计的手法可谓相当灵活，在他的作品中很好的将自己风格融入了进去。他的作品都是建立在简单、自然的基础上，自然的东西往往更具有生命力

   个人对他的‘冰’世界有些感触。整个酒吧的设计分成“冷”和“暖”两个不同区域。走进铺满毛皮的入口，便到了暖吧。许多原木条纵横交错，砌成原始感十足的木墙，暗红的灯光从四边渗出，包围着座位，营造出在寒冷的天气下围在火炉边取暖的气氛。卡位部分，做成原木树干搭建出的小木屋，带着自然的味道和原始的美感，空间充满立体感。冰吧，则模仿爱斯基摩人的圆顶冰屋形状，内墙身铺上绒布，外面墙身由闪亮的大理石堆砌成，营造出冰雪的质感。

丹下建三的简介

 

　　著名日本建筑设计师丹下健三于1913年生于大阪，1938年从东京大学建筑系毕业，1949年，在广岛原子弹爆炸地点原址建造和平中心的设计比赛中胜出，开始在国际上崭露头角。丹下健三强调建筑的人性，他先后获得过包括哈佛大学和麻省理工学院在内的七个博士和名誉博士学位。曾获得日本天皇亲授的文化勋章，美国建筑师协会、英国皇家建筑学会和法国建筑科学院的金奖。丹下健三作为日本建筑师乃至日本文化艺术界的代表而为世界所知。

在第29位普利兹克建筑奖得主出炉的同时。2005年3月22日，亚洲第一位普利兹克建筑奖得主、日本建筑师丹下健三因心脏衰竭在东京的家中离世，终年91岁。

 

　   丹下在建筑教育方面的贡献也是有目共睹，他的建筑创作生涯长达60余载，不仅作品颇丰，他还曾任美国麻省理工学院的客座教授，还在哈佛、耶鲁、加州大学伯克利分校等名校的建筑系执教。而日本的第二位普利兹克建筑奖获得者稹文彦，以及目前日本建筑界颇具国际影响力的矶崎新、黑川纪章等人都曾师从丹下。

 

 创作历程

 

1946年，丹下健三回到东大建筑系当助教，同时成立了“丹下研究室”，这是个充满生机和创造力的研究室。在此之后的十五、十六年时间里他设计了广岛和平公园和原子弹爆炸纪念馆、东京都厅舍、香川县厅舍等一批优秀的建筑，还不断到欧洲和美洲参加学术会议、讲学。

　　1961年成立“丹下健三城市建筑设计研究所”(URTEC)。稻冢二郎、山本浩、岩本隆等优秀人才都在这里工作过。他们设计的山梨文化会馆、阿尔及利亚奥兰综合大学都体现了信息化社会对建筑的要求。用丹下健三的话来说就是“能够交流的主体建筑”和“能够成长的建筑”。

　　1964年东京奥运会主会场——代代木国立综合体育馆，是丹下健三结构表现主义时期的顶峰之作，具有原始的想像力，达到了材料、功能、结构、比例，乃至历史观的高度统一，被称为20世纪世界最美的建筑之一。日本现代建筑甚至以此作品为界，划分为之前与之后两个历史时期。而他本人也赢得日本当代建筑界第一人的赞誉。

 

丹下建三作品：

　　山梨文化会馆地上有8层，地下2层，面积 18085平方米，是一幢广播、报纸和印刷业共同使用的综合性建筑。在考虑各企业独立性的同时，还要考虑彼此方便的联系和将来扩建的可能。为此，作者采用了四行圆筒形结构作为主要支柱，楼梯、电梯、卫生间和空调机都布置在圆筒内。柱子之间架设办公室、播音室和印刷工厂。其中广播位于最上层，下面是报社和印刷厂，位置布置很合理。在各层之间还留出许多空间作屋顶花园，为将来扩建做准备。外露的大圆筒和混凝土的粗糙质感、楼板和圆筒交接处的梁头，愈加强调了这幢建筑物的结构，暗示着它将来的成长。山梨会馆建成之后就进行过扩建，这是一个随时间推移不断成长和变化的立体交往空间。

 

　　1964年建成的东京代代木国立室内综合体育馆是为第18届奥运会修建的。体育馆总用地面积 9．1公顷，南北有近6米的高差。第一体育馆为两个相对错位的新月形，第二体育馆为螺旋形，像个大蜗牛，两馆均采用悬索结构，中间的空地形成中心广场。宽敞的人行步道将两馆联系起来，贵宾和管理人员入口在步道的下面。观众人流和车流也巧妙地分开了。

 

　　由于新颖的外部、内部空间手法和功能与结构的巧妙结合，这个作品得到了日本和各国建筑界很高的评价。有人甚至认为这幢建筑是日本现代建筑达到国际水准的标志。丹下健三本人也因此获得了日本建筑学会特别奖及其他国际大奖。当时的奥委会主席布伦戴奇称赞说：“体育激励了建筑师，一方面众所周知，许多纪录在这个比赛馆中产生，这个作品激发了运动员的力量。同时这个比赛深深铭刻在有幸参加大会的人们的记忆中，铭刻在前来观战的追求美的人们的记忆之中”。

丹下建三的设计理念：

　　丹下认为：“虽然建筑的形态、空间及外观要符合必要的逻辑性，但建筑还应该蕴涵直指人心的力量。这一时代所谓的创造力就是将科技与人性完美结合。而传统元素在建筑设计中担任的角色应该像化学反应中的催化剂，它能加速反应，却在最终的结果里不见踪影……”这一最基本的理念便是丹下在建筑实践中始终坚持的信条。

 

   在我看来，当下建筑设计，有很多过于强调逻辑性，使得建筑没有美感可言，如同复制，或者没有内涵，即不能打动人心，而丹下建三的建筑恰恰弥补了这一点的不足，这正是我觉得他建筑的可贵之处。

  我们常说的艺术和技术的结合应该在建筑上得到很好的体现，可现实人们往往偏激，不能做到好的平衡，在今后的学习中，我想还是要好好吸取丹下建三在建筑上秉持的理念，让我们的建筑设计富有人文内涵，富有人文内涵的建筑我想试最有生命力的，而随着时代的进步，人们也会更注重人性化的设计理念而不是一位的结构。

 

日本建筑师。1934年4月生于名古屋市，1957年毕业于京都大学建筑学专业，后就读于东京大学，以研究生身份在丹下健上研究室工作，1959年获硕士学位，1960年参加“新陈代谢”组织，作为中心成员活动。1962年成立黑川纪章建筑城市设计研究所，1964年获东京大学博士学位。他曾多次获奖并获得多项国际荣誉。

　　　黑川纪章的代表作品有：东京规划；螺旋体城市方案（1961）、中银舱体楼（1972）、福冈银行本店（1975）、琦玉县立近代美术馆（1982）、东京瓦科尔曲町大楼（1983）等。

1972年设计了中银舱体楼，在此设计中新陈代谢的解决方法可分为两个部分：建造永久性的结构，然后插入居住舱体。后者可以随时更换。用140个6面舱体悬挂在两个混凝土筒体上，组成不对称的、中分式楼。在仔细琢磨的小房间里，配有磁带收音机，高保真音响，计算机和浴厕，没有一寸多余的空间。这些可以搬动的舱体虽然以后并没有再挂到别处，这使他对建筑的理解产生了飞跃。

他一直在不断地努力思考怎样使建筑更加有内容，他将技术的方法与富有哲理的思想联系起来， 他将文化融入建筑之中，不同的文化及意念整合为一种共生的关系，在相反的元素之间提供一种中介性空间。后来他又将其共生思想概括成几个基本组成部分：异质文化的共生、人类与技术的调和、部分与整体的统一，内与外的交融、历史与现代的共存、自然与建筑的连续。他试图以共生思想来改变西方中心和理性主义，并表达出自己是受到自己国家文化的影响。黑川将所有的建筑元素都看作是相互间能够产生意义和气氛的词汇或符号。他想自己的设计能以不同的表情来适应不同的人，叙述不同的故事。

郑东新区远景总体概念规划设计中，黑川纪章注重于最大限度地满足使用者及业主所希望的功能要求；设计可以丰富建筑所在环境的空间、景观的建筑，使建筑作品成为流传后世的文化遗产；同时，力求以建筑形象、建筑空间本身给使用者带来享受和感动。由此可以看出设计并不只是本人的个人意志，而是为了他人，为了社会，为了后人。

他留给我们的并不只是立在城市某个地方的建筑，而是经验、技艺、思想，从他的事迹中我深深的体会到好的设计不是靠你自己一个人就能做出来的，我们需要学习领悟他人的精髓，设计不是仅仅局限于一点，他可以和任何的文化、事件，人物等等联系到一起，设计的灵感无处不在，成功与否就看你自己有没有去发现，去思考，是不是仅仅局限于一点。由此可以联系到我们的生活，我们不仅仅只是单一的活着，生活是丰富的，我们可以选择的有很多，一条路不通我们可以选其他的，是我们去生活，而不是让生活来约束我们，学习也是一样，可以从多个方面入手，设计更是如此，所以我们不仅仅是为现在而生活，更是要为后人留下值得学习、继承的东西！

中银舱体楼

 

第一次接触认识他们是高一的时候，因为学校要求写书评。于是去图书室借了一本《德梅隆与赫尔佐格》，对于他们的认识也就是这里开始的。他们有着相同的设计理念，都将建筑的外形、外观称之为建筑的“表皮”。表皮简而言之就像人的衣服，它是可以改变，可以拥有思想或者体现表达人情感的，可以赋予生命而不仅仅只是坚固的没有情感冰冷的外壳。而他们这种“表皮”思想就可以让建筑在不同的场合穿不同的衣服来营造特定的气氛，所以往往他们的作品总能给人视觉上和心灵上的震撼。当然他们也不是一味的追求视觉感官上的效果，功能上的设计他们也很周到。

08奥运会上的“鸟巢”可以说是世上又一奇迹，而这一奇迹也是出于他们之手。

浅谈黄志达

黄志达（Ricky Wong），香港顶尖设计师之一。由于家族影响，他的设计师之路似乎从很小的时候就开始萌生。96年在香港创立公司。设计新颖生动，主张设计要引领新的生活方式，认为设计源于生活却高于生活。因此有室内设计界的“时尚骄子”之称。

我个人比较欣赏黄志达，原因在于他的作品取材生活，认为生活方式与生活情景就是最好的创作的主题。他的作品或热情，或简约，或古典与现代，或简单与豪华，或高贵持重…这就是生活——形形色色，方方面面。对于个人风格这种东西，没有固定的界限，你可以在你的作品中表现出中式的简约大气，也可以融入西方的豪华。但也可以做出中式的豪华大方与西方的自然简约。对于个性化的这种东西逐渐增多，同时时尚的周期也逐渐缩短。设计师的目的就是把人们对美的追求与向往通过作品展示出来，让人们知道他们的心思你能读懂。这才是一个成功的设计师。同时外表装饰固然要求美观，引人入胜，也要突出空间的实用率。结合新的材料，将整体气氛发挥淋漓尽致，尽情展现设计理念。因此说懂得结合，整体策划，善于变通，而不是一味的追求个人风格而一贯使用自己的出色手法。

创作应该是一种享受，一种人与人之间的沟通与交流，来达到双方的共同喜悦。

北京中信逸庭山庄

 

 

 

 

 

 

 

 

对于这个标题想了好久，感觉没有一个形容词或一句话可以能够完整准确的概括出林璎这一伟大女性艺术家。最后我成服了还是运用了美国乃至全世界人对于林璎的这一评价感觉还是这个评价适合她。

对于多数中国人来说，林璎这一名字可能很陌生但在西方林璎以Maya Lin却为多数人所知。1980年，耶鲁大学建筑系的她因设计越战纪念碑而闻名美国，那时的她才21岁。随后，大量的荣誉和奖励接踵而来。三十年过去了，如今的林璎头顶闪耀着许多光环，她的名字不再是只为西方人所知而是世界所知所了解。

虽然林璎出生在美国接受的也是西方教育但她对东方文化也很感兴趣。在她的作品中她不断的把东西方文化相融合。还是学生时期的她所表现出来的与众不同对艺术有着很高的天赋。这一切都来源于她的家庭。她的父母都是艺术家，父亲是陶艺家，母亲是诗人。从小在这样的家庭中成长受到父母的艺术熏陶，她的哥哥成为一名诗人而她则既是一名建筑师也是一名艺术家。

曾经有人表示：林璎有一种独特的功力，能够用简单的造型与天然的材质，传达复杂和如诗般的意念。自她的作品中，我们可以感受到她个人对大自然的力量和形体结构的热衷兴趣，及她长期摸索雕塑的可能性，以诉求更深层意涵的创作态度。她偏好极简的作品表现方式，并且尽量避免喧宾夺主的张扬作风。她的作品种体现着自然纯朴的气息但又不失特立独行的艺术设计理念。

附：林璎与越战纪念碑

   为了纪念在越南战争中牺牲的美国人，1982年，美国国会决定建一座越战阵亡者纪念碑，在全国范围内征集设计方案。

   林璎当时还是耶鲁大学建筑系的学生也参加了此次的设计。21岁的她所设计的方案在1441件应征作品中被选中。她的设计方案是：黑色的，像两面镜子一样的花岗岩墙体，像打开的书向两面延伸。两墙相交处从下面到地平面，约有3米高，底线逐渐向两端升起，直到与地面相交。墙面上刻满阵亡者的名字。林璎说：“当你沿着斜坡而下，望着两面黑得发光的墙体，犹如在阅读一本叙述越南战争历史的书。

    她的设计引起了许多争议，那么多身价不菲的建筑大师的作品都被淘汰了，一个尚未大学毕业的女孩子的作品，怎么会好?有人说：它像澳洲土著民用的回飞镖，而回飞镖意味着灾难必将重演。有人说：这是地面上的一个黑洞，是麻烦的象征。有人说：纪念碑应该拔地而起，雄伟壮观，而不应陷入地下。

　　接下来，批评逐步升级到人身攻击。什么“丢脸的破墙”、“令人羞辱的阴沟”、“黑色伤疤”等等。有人嘲讽林璎，你可真幸运，只在纸上画一道黑线，就拿了冠军。最后，人身攻击又升格为政治攻击。说什么：“怎么能让一个亚洲人设计在亚洲发生的战争的纪念碑，那对我们美国人岂不是太讽刺了吗?”一个美国大富翁看到纪念碑是一位亚洲人设计的，大怒。他自己掏钱给那些气愤的越战老兵买机票，鼓励他们去华盛顿抗议。他还纠集了一批人提出由政府拨款，请一位白人雕塑家，再设计一个包括三个美国军人和一面美国国旗的雕塑，建在林璎纪念碑的正前方。闹到最后，连美国内政部长沃特也出来干预，他说：如果不能和反对者达成妥协，就取消建纪念碑的计划。

　　林璎坚持自己的主张。她尖锐地指出：那些附加的东西对于原作无异于一种造成缺陷的入侵行为。她不同意野蛮地将两种风格的纪念碑放在一起的做法。她说：“这项设计的主体肯定是‘人’，而不是政治。只有当你接受了这种痛苦，接受了这种死亡的现实之后，才能走出它们的阴影，从而超越它们。我的确希望人们为之哭泣，并从此主宰着自己回归光明。”

　　形势越来越严峻。幸运的是美国建筑界与艺术界是厚道的，主张学术公正。他们为了平息争论，决定再度审阅一次全部1441件大赛作品。全体评委再次表决，大家仍然一致认为林璎的作品确实是最好的。可是，他们为了调和强烈的反对声音，也是为了让这样一个天才的、杰出的作品能够问世，最后同意了在纪念碑附近再建一个“三个战士铜塑”以及一面美国国旗。1982年10月，纪念碑建成，碑面上镌刻着58132名美军越战阵亡者的名字。

　　竣工的日子举行了隆重的揭幕仪式，人们在纪念碑上寻找着自己在越战中死去的朋友或亲人的名字，献上鲜花和礼品，寄托哀思。但是，在典礼上居然没有任何人提到林璎的名字!在典礼的节目单上，也只印着另一个人设计的“三个战士铜塑”。在美国首都华盛顿，林璎的纪念碑已经成为最具观赏性的场所之一。当人们在纪念碑上找到自己朋友或亲人的名字时，他们在怀念和忧伤中思考和反省生命的代价和死亡的原因。一个真正的艺术家的作品就应该具有这样的力量。一个真正的艺术家只有坚守自己的心灵，他的作品才能感动世人，超越时代。

主要作品

越战纪念碑1980年

成行的芦苇 1985

《天狗》（逝去的时间）1988

露天的和平祈祷台 1988~1989

民权运动纪念碑1989

水果布丁 1989~1991

潜水长涌 1992~1993

妇女之桌 1993

浪涌 1993~1995

北10度，一个不扭曲的角度 1993-1996

地平 1994

变换的溪流 1995-1997

可以阅读的花园 1996~1998

地貌风光 1997

岩石的旷野 1997

月相 1998

宁静的美学潜流

雪崩 1998

石头椅子 1999

建筑：

韦伯住宅 1994-1994

非洲艺术博物馆 1992-1993

美国亚太中心 1997

住宅 1996-1998

兰顿.休斯图书馆 1999建成

最后的纪念碑——环境以及人

 

遇見“沒文化的日本鬼才”—安藤忠雄 

 

安藤忠雄，1941年生於日本大阪。在一家建筑公司工作过一段时间。曾经是货车司机和职业拳击手。他利用拳击比赛的奖金到欧洲，美国，亚洲,非洲旅游,从而也见识到各地的建筑。之后他自学建筑，这些游历对他来说开阔了他的视野。

安藤先生说过，建筑是人与自然的中介。在安藤先生著名的光，水，风之教堂中我们能感受到那种宁静，舒适。没有过多的装饰，没有华丽的色彩，却感觉这样就足够了。

记得第一次看到光之教堂时，甚是惊讶，当时并不知道作者是谁，就是 哇~ 然后什么也表达不上了。但内心却感到一种平静。后来知道是来自日本建筑大师安藤先生的作品。

安藤先生没有受过正式的建筑教育，他用自己的方式诠释出对建筑的理解。

光滑如丝的混泥土，几乎是安藤先生作品中不可缺少的元素。

我很欣赏安藤先生作品里的那种安静却不乏生机和乐趣的气息。普通混泥土墙面透出的那种表现力。然而，这一切都是因为安藤先生本身的意识，若自己都没有这样的思想，那也就没有这样的作品。

  “其实大家都没懂光之教堂。”

  “很多人都说那十字形光很漂亮。”

“我很在意人人平等，在梵蒂冈，教堂是高高在上的，牧师站的比观众高，而我希望光之教堂中牧师与观众人人平等，在光之教堂中，台阶是往下走的，这样牧师站的与坐着的观众一样高，这样就消除了不平等的心理。这才是光之教堂的精华。”他认为没有阶梯的光之教堂的不同于西方教堂中教堂与牧师高高在上的平等感才是整个光之教堂最大的精彩之处。这也反映出安藤先生在建筑设计中对人生活的关心。

作品：光之教堂

三浦荣是我个人非常喜欢的一位设计师，他的设计风格简约，纯粹，注重空间本身的结构感。坚持走极简主义的路线，崇尚自然与人相结合。用朴实的材料和简洁的处理手法来营造空间的气氛。2000年在上海设计人间穹六餐厅，是三浦荣在中国的开山之作，也是让他在中国设计界名声崛起的作品。

近期主要作品：

　  1997年 日本料理 新都里竹一 台北

　　1999年 日本料理 新都里泷四 台北

　　1999年 创意中国料理 人间泉五 台北

　　2000年 创意中国料理 人间穹六 上海

　　2000年 日本料理 TAMA 东京

　　2001年 日本料理 仙炙轩二楼 上海（上海白崇禧故居）

　　2002年 日本料理 新都里无二 上海

　　2002年 意式餐厅 SPASSO 东京

　　2002年 日本料理 SUMIE 台北

　　2002年 创意中华料理 人间萤七 上海

　　2003年 川菜 俏江南桃江店 上海

　　2003年 川菜 正大店 上海（上海正大广场九楼）

　　2003年 日本料理 仙炙轩一楼 上海（上海白崇禧故居）

　　2006年 中式正餐 国宴厨房 青岛（登州路啤酒街附近）

走过一段长长的竹林小径，你才能看到淹没在竹海中的餐厅大门

 

姓名：邱春瑞(Raynon)

　　参加工作时间:1987 从事设计资历：20年

　　籍贯：台湾

　　台湾大易国际-邱春瑞设计师事务所

　　网址：http://www.qiuchunrui.com

　　1986年，毕业于台湾东方工业技术学院

　　1987年，台湾时报副刊特约插画家

　　1990年，台湾时报政治版记者

　　1991年，台湾大木设计师事务所设计师

　　1994年，美国李奥国际设计事业主任设计师

　　1996年，台湾大易国际设计事业成立

　　1999年，台湾亚太设计公司驻中国大陆设计总监　　

　　2005年，深圳市邱春瑞环境艺术设计咨询公司成立

　　其作品多见国内顶尖室内设计书籍书刊。包括台湾《CONDE当代设计》《id+c》《现代装饰》《2009室内设计年鉴》《TOP顶尖样板房》《禅意东方》《时代空间-顶级样板间》等。

 

作品一 暗夜浮华

 

暗夜浮华：连云港博威江南明珠苑样板房

项目名称：江南明珠苑样板房

项目地点：江苏连云港市新浦区解放东路

空间类型：居住空间，样板房

主设计师：邱春瑞

参与设计：李赢

主要用材：柚木、皮革、黄洞石、镜子

如果说古典欧式风格线条复杂、色彩低沉，而简欧风格则是在古典欧式风格的基

础上，以简约的线条代替复杂的花纹，采用更为明快清新的颜色，既保留了古典

欧式的典雅与豪华，又更适应现代生活的休闲与舒适。

本案在空间上增加了功能之间的互动与使用灵活性。虽然空间是有限有阻碍的，

但是在设计上通过对材料的运用（玻璃、镜子）、灵活的灰空间、循环动线，从

感观上让空间无限放大。家居风格从整体到局部、从空间到室内陈设塑造，给人

一种精致印象。一方面保留了材质、色彩的大致感受，浅色和木色家具有助于突

然清贵和舒雅，格调相同的壁纸、帘幔、地毯、家肯、具、外罩等装饰织物布置

的家居，蕴涵着欧洲传统的历史痕迹与深厚的文化底蕴，同时又摒弃了古典风格

过于复杂的肌理和装饰，及现代风格的优点，简化了线条，凸显简洁美，着力塑

造尊贵又不失高雅的居家情调。

设计不一定要用复杂的造型、昂贵的材料才能突显设计功力，只要抓住重点，就

可以花小力气做大事情。正所谓：一流的设计玩光线，二流的设计玩造型，三流

的设计玩色彩，不入流的设计做美工。

广州办公家具展的一些照片

摄于2010.3.27日，广州

 

 

理查德·迈耶，美国建筑师，当代最有影响力的建筑师之一，现代主义建筑“白色派”教父，被誉为建筑界诺贝尔的“普立兹克”奖最年轻的获得者，曾就学于纽约州伊萨卡城康奈尔大学，早年曾在纽约的S.O.M建筑事务所和布劳耶事务所任职，并兼任过许多大学的教职；1963年自行开业。

第一次了解到迈耶是在大一的一次课外作业上。蓦然看到“白色派”的教父的字眼就深深的吸引着我。迈耶几十年始终如一潜心于白色建筑的开拓。他以娴熟自如、出神入化的技艺，谱写了白色的交响曲。白色，对理查德•迈耶来说，早已是一种信仰。这一切的一切都无法抵挡的住我想对他的深入了解。

白色建筑就是他的注册商标。设计了几十年的房子，清一色全是白色，简直就像奔驰的工厂只生产白色汽车一样的不可思议。但这就是迈耶，一个注重功能和实用的一位老先生，总能让你不自觉的静下心来细细的品味光与建筑的巧妙融合，感受那疏影横斜水清浅，暗香浮动月黄昏的意境。他设计的作品最大的特点是永远有自己的特性而不是在风格上受别人的影响而迷惑。由于其大胆的风格和值得称颂的忠诚，迈耶创造出颇为独特的粗壮风格。为了在展示方面做得更好，他将斜格、正面以及明暗差别强烈的外形等方面和谐地融合在一起。

21世纪以来，越来越多的国际著名建筑大师来到中国，为中国而设计。2005年迈悄悄的来到了中国的深圳在深圳东部的海边为深圳设计了一组海景别墅，从而留下了自己的作品。这是他首次为中国设计。在这组作品中他仍然匠心独具的运用它一贯的设计风格沿着弯曲地貌巧妙构建建筑的布局，在青山绿水间隐约点缀出修理淡雅的白。中国的深圳突然出现这么一群独特的住宅，让很多中国人马上认识了他，一位我们不太熟悉的这位建筑大师叫做Richard Meier 理查德·迈耶。

其实早在90年代初，迈耶就已近多次进入中国内地，迈耶为迫切学习西方新思想的中国建筑带来了甘露。

尽管许多人认为迈耶的作品太过商业化，就连有些挑剔的评论家也不得不承认迈耶的作品实在是太具有感染力了。那种淡雅的建筑语言像人们诉说着现代建筑对的无限魅力。

主要作品

1.1965 美国康涅狄格达里恩史密斯住宅（Smith House Darien,CN）
2.1973 Harbor Springs 道格拉斯住宅（Douglas House Harbor Springs）
3.1979 美国印第安纳州新哈莫尼（Athaneum New Harmony,IN）
4.1982 美国印第安纳州哥伦布克里克住宅（Clifty Creek Columbus,IN）
5.1983 美国佐治亚州亚特兰大高级美术馆（High Museum Atlanta,GA）
6.1985 装饰艺术博物馆（Museum for the Decorative Arts）
7.1986 加利佛尼亚州玛莉布海滩住宅（Ackerberg House Malibu,CA）
8.1986 纽约威彻斯特郡住宅（Westchester House NY）
9.1989 美国康涅狄格州布里奇波特中心（Bridgeport Center,Bridgeport,CN）
10.1989 美国新泽西哈丁Grotta住宅（Grotta House Harding,NJ）
11.1991 法国巴黎运河总部（Canal Headquarters Paris）
12.1992 德意志联邦共和国乌尔姆博览会（Ulm Exhibition and Assembly）
13.1992 荷兰皇家 Papermill 总部（Royal Dutch Papermill HQ）
14.1994 荷兰海牙市政厅及中心图书馆（City Hall Hague Netherlands）
15.1993 卢森堡 Hypolux 海岸（Hypolux Bank Luxenbourg）
16.1996 荷兰 Rachofsky 住宅（Rachofsky House Holanda）
17.1996 加利佛尼亚州洛杉矶 盖蒂中心（Getty Center Los Angeles,CA）
18.2000 亚利桑那州菲尼克斯法院（Courthouse Phoenix,AZ）

 

简介

    约恩·乌松，出生于丹麦哥本哈根，丹麦建筑设计师，曾经是一名优秀的水手。其最著名的设计作品是悉尼歌剧院。

　　  1937年，19岁的乌松顺利进入丹麦皇家艺术学院建筑系，师从于施泰因·埃勒·拉斯姆森和卡伊·菲斯科尔。两位恩师均为丹麦建筑界的领军人物，而且也都是中国迷，其中，拉斯姆森还曾在北京设计过热电站。乌松耳濡目染，接触了大量的中国艺术文化，不知不觉影响了自己的建筑观念。

悉尼歌剧院的传奇

    38岁的乌松是一位名不见经传的建筑师，他参加看一场匿名的竞赛：一块小土地的歌剧院。他的方案在来自30多个国家的230位参赛者中被大赛评委选中，当时的媒体称之为“用白瓷片覆盖的三组贝壳形的混凝土拱顶”。但是由于其设计理念大胆前卫，费用严重超出预算，乌松的设计理念引发褒贬不一的争论，在进行了9年设计工作后他选择离去。它的结构设计有着前所未有的难度，其间经过无数设计师的设计，最后用混凝土先做成球形，再进行修改削减而成，杰作才得以诞生。悉尼歌剧院建成后，成为了澳大利亚的标志性建筑，并于2007年被列为世界文化遗产。

悉尼悲剧

    据悉，乌松从来没有亲眼目睹过自己倾注了大量心血的设计作品，尽管乌松最终因为悉尼歌剧院的设计而誉满全球，但是他却从来没有亲眼看到过建成后的悉尼歌剧院的真面目。

据设计者晚年时说，他当年的创意其实来源于橙子，正是那些剥去了一半皮的橙子启发了他。这让我感觉到我们周围的一切都是我们的灵感来源，只有用心去感受生活，才可以充分运用灵感创造奇迹。

　　

约恩·乌松一生的辉煌只有一次，但这一次已是传奇。 —— 丹麦建筑师协会